SHAUN LEANE

Shaun Leane è un orafo e designer britannico che ha costruito il proprio linguaggio creativo a partire dalle tecniche della gioielleria tradizionale, portandole progressivamente verso forme e dimensioni meno convenzionali.

Nel suo lavoro, il gioiello non è soltanto un ornamento, ma un oggetto progettato in relazione al corpo, alle sue proporzioni e ai suoi movimenti, attraverso un continuo confronto fra precisione artigianale, ricerca sui materiali e sperimentazione formale.

Formatosi nell’ambiente dell’oreficeria londinese, Leane ha sviluppato una produzione nella quale convivono elementi apparentemente contrastanti: la delicatezza dei motivi naturali e l’aggressività di spine e artigli, la leggerezza visiva di alcune strutture e la solidità dei metalli, l’eleganza della gioielleria classica e la forza espressiva della scultura.

La collaborazione con Alexander McQueen ha rappresentato uno dei momenti più significativi di questa ricerca, ma la sua attività si è estesa ben oltre la passerella, comprendendo collezioni di gioielli, creazioni su commissione, collaborazioni artistiche e progetti di scala architettonica.

Il percorso dedicato a Shaun Leane nell’Archivio Redlily ne ripercorre la formazione e l’evoluzione professionale, approfondendo le tecniche, le opere e le collaborazioni che permettono di comprendere la complessità del suo lavoro, insieme alle testimonianze e ai materiali conservati nelle collezioni museali e negli archivi.

ESPLORA SHAUN LEANE

Esplora il percorso dedicato a Shaun Leane attraverso la sua biografia, il linguaggio creativo, le tecniche orafe e le collaborazioni che hanno segnato la sua carriera.

Un itinerario tra gioielleria, moda e sperimentazione artistica, arricchito da opere, progetti e testimonianze conservate nei musei e negli archivi.

Quando il gioiello entra nella costruzione dell’abito

Nella storia dell’abbigliamento, il gioiello non è sempre stato un elemento indipendente dal vestito.

Ornamenti cuciti direttamente sui tessuti, pettorali, cinture, catene e decorazioni applicate ai capi hanno spesso partecipato alla costruzione dell’immagine del corpo, contribuendo a definirne le proporzioni, a sottolinearne determinate parti o a comunicarne la posizione sociale.

Il confine fra abbigliamento e ornamento, dunque, non è mai stato del tutto rigido. Anche quando il gioiello viene concepito come un oggetto autonomo, il suo significato dipende in larga misura dal corpo che lo indossa, dal modo in cui viene collocato e dalla relazione che stabilisce con gli abiti.

Il lavoro di Shaun Leane offre un esempio particolarmente interessante di questa relazione, perché porta alcune tecniche proprie dell’oreficeria a confrontarsi con problemi generalmente associati alla progettazione dell’abito.

Nel celebre Spine Corset, realizzato in collaborazione con Alexander McQueen per la collezione Untitled, Primavera/Estate 1998, la struttura anatomica diventa un elemento visibile e indossabile: le costole e la colonna vertebrale, normalmente nascoste all’interno del corpo, vengono riprodotte attraverso una costruzione metallica che ne modifica la percezione esterna.

Nel Coiled Corset, presentato nella collezione The Overlook, Autunno/Inverno 1999-2000, una successione di elementi in alluminio avvolge invece il busto seguendone le curve, fino a creare una superficie continua che ricorda tanto un ornamento quanto un’armatura.

Sono oggetti che non si limitano ad accompagnare l’abbigliamento, ma intervengono direttamente sulla figura, occupando uno spazio normalmente riservato al corsetto, al corpetto o ad altre strutture del vestire.

La particolarità di queste creazioni non consiste semplicemente nelle loro dimensioni o nell’impiego di materiali insoliti. A renderle significative è soprattutto il rapporto fra competenze tecniche e funzione dell’oggetto.

Leane affronta la costruzione di forme destinate al corpo attraverso conoscenze maturate nell’oreficeria, un mestiere nel quale precisione, resistenza delle giunzioni, trattamento delle superfici e controllo dei volumi assumono un’importanza fondamentale.

Quando queste competenze vengono applicate a oggetti che avvolgono il torso, si estendono sulle spalle o modificano il profilo del volto, la distinzione convenzionale fra gioiello, accessorio e parte dell’abito diventa meno immediata.

Il gioiello continua a essere riconoscibile attraverso i suoi materiali e le sue lavorazioni, ma assume dimensioni e funzioni che lo avvicinano alla scultura indossabile.

Questa possibilità di attraversare linguaggi diversi appartiene a una storia più ampia. Già alla metà del Novecento, il gioielliere modernista Art Smith (1917–1982) aveva sviluppato una concezione dell’ornamento nella quale il corpo diventava parte integrante del progetto.

Nato a Cuba e cresciuto a New York, Smith si formò alla Cooper Union e aprì un proprio laboratorio nel Greenwich Village, entrando in contatto con l’ambiente artistico, musicale e coreutico della città.

I suoi gioielli, spesso caratterizzati da linee asimmetriche, superfici curve e forme ispirate al mondo organico, erano progettati per interagire con la figura umana, tenendo conto dello spazio occupato dall’oggetto e del movimento di chi lo indossava.

Alcune creazioni assumevano dimensioni considerevoli senza rinunciare alla leggerezza e alla possibilità di essere indossate.

Nel bracciale Lava, per esempio, una struttura ondulata si estende lungo gran parte dell’avambraccio, mentre nel Modern Cuff, 1948, conservato allo Smithsonian le superfici metalliche curve e gli spazi vuoti partecipano alla definizione della forma.

Per Smith, il gioiello non poteva essere compreso pienamente senza considerare il corpo al quale era destinato: un principio che avrebbe trovato espressione anche nelle creazioni realizzate per interpreti della danza moderna.

Un’altra direzione di ricerca emerge nell’opera di Paco Rabanne (1934–2023), che negli anni Sessanta mise in discussione non tanto la forma del gioiello, quanto i materiali e le tecniche con cui poteva essere costruito un abito.

Nella collezione del 1966, Twelve Unwearable Dresses in Contemporary Materials, presentò vestiti realizzati attraverso l’assemblaggio di elementi in plastica e metallo, collegati mediante anelli anziché uniti dalle cuciture tradizionali.

Le superfici risultanti ricordavano talvolta la maglia metallica delle armature, pur appartenendo al linguaggio sperimentale e futurista della moda del periodo.

Un abito conservato al Metropolitan Museum of Art mostra con particolare chiarezza questa costruzione: placche di alluminio quadrate e rettangolari, unite da piccoli anelli metallici, formano una superficie articolata che avvolge il corpo.

In questo caso non è il gioiello ad assumere le dimensioni di un abito, ma è l’abito stesso a essere costruito attraverso un sistema di elementi rigidi e collegamenti mobili, vicino per alcuni aspetti alle lavorazioni dell’ornamento metallico.

Le esperienze di Art Smith e Paco Rabanne appartengono a contesti e intenzioni differenti, ma aiutano a comprendere come il rapporto fra corpo, materiali e tecniche di costruzione sia stato oggetto di sperimentazioni ben prima delle collaborazioni fra Shaun Leane e Alexander McQueen.

Nel primo caso, l’ornamento viene concepito come una forma scultorea che trova compimento sul corpo; nel secondo, materiali e procedimenti non convenzionali diventano strumenti per ripensare la struttura dell’abito.

Leane affronta questa relazione partendo da una formazione orafa tradizionale e applicandone le competenze a oggetti che possono assumere la funzione di collane, corsetti, maschere o vere e proprie strutture corporee.

Il suo contributo si comprende quindi non tanto come il superamento definitivo di una distinzione fra discipline, quanto come una particolare interpretazione delle possibilità offerte dal lavoro sui metalli e dalla costruzione di oggetti destinati a essere indossati.

Osservare queste opere oggi significa inoltre considerare il cambiamento del loro contesto.

Un ornamento concepito per essere indossato durante una sfilata, insieme a un abito, a una precisa gestualità e a una determinata costruzione scenica, può diventare successivamente un oggetto da collezione o un’opera esposta in museo.

In questa nuova condizione, l’attenzione si sposta inevitabilmente: non è più soltanto l’immagine complessiva della figura a essere osservata, ma anche la costruzione dell’oggetto, le sue caratteristiche materiali, le tecniche utilizzate e la storia della sua realizzazione.

Le fotografie delle sfilate, i disegni preparatori, le testimonianze degli autori e la documentazione conservata negli archivi diventano allora strumenti indispensabili per ricostruire il rapporto originario fra gioiello, abito e corpo.

È anche attraverso questa prospettiva che il lavoro di Shaun Leane trova posto in un archivio dedicato alla storia e alla cultura della moda: non soltanto per le collaborazioni che lo hanno reso conosciuto, ma per le domande che le sue opere permettono di porre sul significato dell’ornamento, sulle competenze necessarie alla sua costruzione e sui confini, spesso mobili, fra discipline differenti.